Работы Инго Маурера (Ingo Maurer) легко узнать — больше никто так не работает со светом. Возможно, одна из составляющих успеха метода Инго Маурера заключена в том, что он применил метод графического дизайна к дизайну промышленному. Но это никак не может объяснить того ощущения чуда и восторга, которое вызывают его работы. Инго Маурер создаёт не просто светотехнику, а объекты вневременного искусства и дизайна. Создаётся ощущение, что нет такого материала, который Инго Маурер не смог бы трансформировать в свет. «Изменяя освещение в помещении, можно очень сильно изменить все пространство. Свет обладает огромным потенциалом, имеет сотни возможностей для превращения обстановки в нечто новое».  Ingo Maurer

Карим Рашид (Karim Rashid) — апостол новых технологий. «Я хочу изменить мир» — гласит название манифеста Карима Рашида, написанного им в 2001 году. Именно это он и сделал, став одним из наиболее успешных и плодовитых дизайнеров современности. За время своей дизайнерской карьеры Карим Рашид создал «чувственный минималистичный» дизайн для сотен предметов и «blobjects». («Blobject» — от сочетания имени Mr. Blobby, популярного персонажа телешоу, и английского «object» — объект). Среди творений Карима Рашида — часы, посуда, мыльницы, корзины для бумаг, а также мебель, модные объекты, светильники, шоу-румы, гостиницы, рестораны, апартаменты и скульптуры. Карим Рашид — писатель, лектор в университетах и на конференциях, участник многочисленных совместных выставок, профессор Университета Искусств в Филадельфии и звезда телевизионного реалити-шоу Made in the USA.

Марко Дзанузо (Marco Zanuso) — один из отцов-основателей современного европейского промышленного дизайна, создатель эталонов «Хорошей Формы»,   специалист в области промышленной архитектуры, индустриальных методов строительства и производства. Марко Дзанузо — член Международного конгресса современной архитектуры (СIАМ) и Национального института урбанистики, главный редактор журнала «Domus» и предводитель предметной революции. «Можно было бы революционизировать не только системы, но и внешний облик и структуру изделий... наши прототипы приобрели визуально интересные новые контуры, мы подошли к промышленным стандартам, которые ранее были немыслимы» — Marco Zanuso.

Человек, объединивший в своём творчестве современность и дух романтики, шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) стал автором многих Работ, которые оказали большое влияние на развитие дизайна и остаются актуальными и любимыми до сих пор. Немногие дизайнеры имеют право утверждать, что они создали уникальный индивидуальный стиль, который был бы мгновенно узнаваем. Известный сегодня в основном как дизайнер мебели, Чарльз Ренни Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) был архитектором в самом широком смысле понятия, он занимался проектированием школ, офисов, церквей, чайных комнат (tearoom – британский вариант кафе), частных домов. 

Работая на пороге дизайна и ремесел, Торд Бунтье (Tord Boontje) создаёт изысканные изделия из стекла, мебель и светильники, сочетающие в себе передовые технологии с традиционным кустарным методом производства.

«Мода является для меня большим стимулом. Люблю эксперименты и скорость, с которой идеи воплощаются. В настоящее время я преподаю в Королевском Колледже Искусств и очень рад работать там с Роном Арадом и другими коллегами. Иногда просто собираемся для прогулки в парке, тени деревьев, листья, лужи – очень вдохновляет».

Том Диксон (Tom Dixon) — от бас-гитариста и сварщика до арт-директора HABITAT и ARTEK

«Однажды меня назвали «позвоночным дизайнером». Это значит, что я проектирую от остова и не интересуюсь поверхностью. Это так. Многие дизайнеры прошли через это».

Михаэль Тонет (Michael Thonet) – отец-основатель промышленного дизайна. Именно ему и стилю бидермайер европейский дизайн обязан за первые образцы серийной мебели для обывателей. Впервые технологии, использовавшиеся для наполнения аристократического интерьера оказались доступны для среднего класса, а фирма «Братья Тонет» (GEBRÜDER THONET) стала прототипом успеха в промышленном дизайне. Успех был настолько грандиозен, а продукт настолько продуман, что продукция компании «Братья Тонет» держится на рынке более 150 лет,  стала синонимом понятия «венская мебель» и производится в первоначальном виде по сей день.

В качестве дизайнера Карло Бартоли (Carlo Bartoli) работал во множестве мебельных итальянских компаний, - таких, как Accademia, Antonangeli, Arclinea, Arflex, Con & Con, Ernesto Meda, Matteo Grassi, Kartell, Merati, Rossi di Albizzate, Segis, Tisettanta, Varenna-Poliform. В двух компаниях - Colombo Design и Segis - он был директором.   «Работая постоянно над предметами материальными, я, как художник, испытываю огромный соблазн заняться виртуальным дизайном, творить на экране компьютера. Но я сдерживаю себя, поскольку реальная табуретка для человека важнее целого виртуального гарнитура».

Джо Понти (Gio Ponti)  был поэтом, художником, архитектором, дизайнером, основателем и главным редактором журнала Domus. Джо Понти — крёстный отец послевоенного возрождения итальянского дизайна.

«Люблю архитектуру, древнюю и современную. Люблю её фантастические и торжественные творения, её изобретательность и абстрактность, её аллюзии и формы, которые очаровывают наш дух и приводят в восторг наши мысли. Люблю архитектуру – сцену и поддержку нашей жизни».  

Шин и Томоко Азуми (Shin&Tomoko Azumi) — Их называли японскими дизайнерами и они приняли это как неизбежность. Шин и Томоко Азуми создали множество продуктов промышленного дизайна в своём неподражаемом элегантном и ироничном стиле. Азуми описывают свой метод как «тонкий способ изменения поведения людей».  

«Объекты всегда должна дать нам удовольствие - и не только, когда мы смотрим на них, но когда мы используем их».   

Проблема неизвестности Эйлин Грей (Eileen Gray) состоит в том, что она была женщиной в архитектурно-художественном обществе, и то, что она оказалась более прогрессивной, чем «великие» того времени. «Великие», типа Ле Корбюзье, ей этого не простили, а она была слишком аристократична, чтобы доказывать факты.

«Надо быть благодарным всем тем людям, которые проявляют к нам интерес и, по крайней мере, сохранили некоторые наши работы. В противном случае они скорее всего были бы уничтожены, как всё остальное».        Eileen Gray  

Этторе Соттсасс (Ettore Sottsass) — выдающийся дизайнер, архитектор, художник, теоретик и философ проектной культуры. Символ «итальянской альтернативы» в дизайне и основатель знаменитого объединения «Мемфис».  Двойственность Этторе Соттсасса стала главным источником мифов о нем. Сочетание бунтарства и профессионализма, увлечение мистикой и гиперфункциональность проектов. К концу 60-х он становится чем-то вроде Учителя и Пророка для бунтующей дизайнерской молодежи. «Мы не можем и не должны цепляться за какие-либо предустановленные иконографические схемы, но, напротив, должны и вынуждены - реальность заставляет - постоянно обновляться»      Ettore Sottsass

Тезис «Цвет важнее формы» может быть воспринят, как излишне самонадеянный и радикальный, если бы эти слова не принадлежали человеку, который сам изменил принцип формообразования в промышленном дизайне. Вернер Пантон (Verner Panton) имеет на это заявление полное право. Начав карьеру как помощник Арне Якобсена, он знал, что сможет зайти дальше.

«Нет такого закона, по которому в гостиной должны стоять диван, два кресла и журнальный столик. Есть и другие способы создать атмосферу релаксации»     Verner Panton

Если принять за аксиому утверждение, что «глубоко продуманная краткость - сестра таланта», то итальянский дизайнер Антонио Читтерио (Antonio Citterio), безусловно, гений.  Всё, созданное им, разумно-лаконично. Антонио Читтерио находится на пике своей творческой активности и, без всяких сомнений, является одним из тех итальянских дизайнеров второго поколения, которые сильно повлияли на само понятие «итальянский дизайн». О себе как о минималисте он предпочитает не говорить, склоняясь к тому, что он просто верит в принцип «лучше меньше, да лучше», исследует любое проектное задание как проблему и находит максимально подходящее решение. «Я создаю простую архитектуру, потому что я делал это всегда – я не могу меняться сейчас».   Antonio Citterio

Шломи Хазиза (Shlomi Haziza)  - оптимист-практик. По сравнению с мировыми лидерами промышленного дизайна Шломи Хазиза ещё весьма молод, но уже давно заявил себя как высококлассный и неординарный мастер. Студия Шломи Хазиза - HStudio  - занимается практически всем.  Среди работ HStudio скульптуры, водопады, различные аксессуары, мебель, картины, светильники, ковры и ....всё, что только можно сделать из акрила. И  Шломи Хазиза убедительно доказывает, что сотрудническтво дизайнера экстра-класса с суперматериалом ведёт к бесконечному множеству комбинаций. 

Пьеро Форназетти (Piero Fornasetti) считал, что любой предмет может быть декорирован на 100% и при этом не потеряет своего назначения. Пьеро Форназетти, в совершенстве овладев искусством trompe l’oeil (изображений-обманок, построенных на оптических эффектах искажения перспективы), превращал мебель в архитектурные объекты, заставлял газеты принимать форму пепельниц, заселял поверхности комодов разноцветными бабочками и наносил изображения Адама и Евы на шезлонги.  Его произведения всегда узнаваемы — это тот редкий тип дизайнеров, обладающих собственным неповторимым стилем. Работы Пьеро Форназетти — это смесь иллюзионизма и архитектурных перспектив. Его излюбленные темы — солнце, игральные карты, рыбы, бабочки, книги и архитектура.

У него нет девиза, но он полон идей. Стефано Джованнони (Stefano Giovannoni) один из основателей болидизма — движения, которое зародилось в восьмидесятые годы прошлого века и распространялось на все области жизни человека. В дизайне болидизм диктовал обтекаемые формы. Совместное с Гвидо Вентурини Стефано Джованнони основал студию, известную как King Kong Production, чтобы проводить исследования в архитектуре и дизайне изделий для дома, интерьеров и моды. Начиная с 1989 года, они разрабатывают знаменитую линейку Girotondo для ALESSI.  

Творчество братьев Кампана (Fernando & Humberto Campana) пронизано культурой бразильского карнавала.  Живя обыденной жизнью, знакомые предметы — стол, стул, диван — наряженные в маски и костюмы от Фернандо и Умберто преображаются и получают новую жизнь в динамичном мире южноамериканских трансформаций пространства и идей.  Одно из основных свойств метода Кампана — совмещение частей естественных  материалов, таких как дерево или ткань (а часто и просто отходов производства) с передовыми технологиями в области конструирования. Или же за основу берутся высокотехнологичные материалы, но для создания предмета применяется архаичный метод (плетение, например). 

В своих лекциях Фридман называет традиционных дизайнеров «швейцарами больших корпораций, которые прибирают тот визуальный мусор, который оставляют после себя эти компании». Очевидно, он подразумевает то, что дизайнеры должны сами создавать условия для своей работы, а не просто принимать их. Фридман отмечает что «модернизм потерял право на моральный авторитет тогда, когда дизайнеры продали его как корпоративный стиль».  «Я пытаюсь встроить в современные повседневные объекты то, что всегда встраивали первобытные люди — духовное измерение».

Талантливый архитектор, во всем мире Арне Якобсен был известен как дизайнер мебели, но именно неординарное архитектурное мышление во многом повлияло на оригинальные формы созданных им предметов.   «Основной фактор - это пропорции. Именно пропорции делают греческие храмы такими прекрасными. И когда мы смотрим на самые выдающиеся здания Ренессанса и Барокко, мы видим, что все они имеют идеальные пропорции. Это важнейшая вещь».

Рон Арад (Ron Arad) – человек из чистой стали. Он смог добиться от листового металла пластичности и заставил его превратиться в произведения искусства. Работая с формой и передовыми технологиями, Рон Арад зарекомендовал себя как один из самых влиятельных дизайнеров современности. С начала 80-х годов он заявил себя как лидер постиндустриализма и создатель скульптурной мебели. Рон Арад всегда избегал штампов. Он не хотел, чтобы критики называли его дизайнером или архитектором, и в каждой из этих областей заработал репутацию бунтаря, постоянно подвергающего сомнению установленные методы. «Я боюсь скуки, фундаменталистов и филистимлян. Боюсь темноты  и смерти. Я работаю, чтобы избежать всего этого»

Бруно Матссон (Bruno Mathsson) конструируя и производя лёгкую, элегантную и функциональную мебель поднял скандинавский дизайн на общемировой уровень. Не являясь приверженцем какой либо дизайнерской концепции и школы, Бруно Матссон создал свой уникальный стиль, основанный на самостоятельном изучении истории архитектуры и дизайна, исследованиях по эргономике и связи между природой и архитектурой. 

Работы Вико Маджистретти пример простоты, элегантности и сдержанности в бурном мире итальянского промышленного дизайна.

«Самое главное в дизайне - это концепция, выраженная в быстрых зарисовках. Дизайн - это концептуальный процесс, имеющий более тесную связь с реальностью, нежели архитектура, т.к. «живет вместе с людьми».

Гарри Бертойя (Harry Bertoia) был скульптором и экспертом по металлургии. Тем не менее он оказал большое влияние на развитие промышленного дизайна. Музыкальные скульптуры (Sounding Sculpture) Гарри Бертойя  мало поддаются описанию – их необходимо видеть и слышать. Его уникальная коллекция стульев, изготовленных для «Knoll Associates, Inc» из металлической проволоки с применением точечной сварки остаётся популярной и на данный момент. Эта необычная и лёгкая на вид сетчатая мебель стала прототипом для последующих многочисленных модификаций. Как сказал сам Гарри Бертойя об этой коллекции: «Если вы посмотрите на эти кресла, то увидите, что они в основном из воздуха, как и скульптура».

Тошиюки Кита приложил очень много усилий, чтобы сделать традицию современной. Его дизайнерская концепция – баланс между природой и технологией. Тошиюки Кита – дизайнер на стыке культур, при взгляде на его работы нельзя однозначно определить чей это продукт – этнического японца в Европе или итальянца в Японии. Он профессор отдела проектирования университета Осаки, президент Японской Ассоциации Дизайна – его работы выставлены в Центре Помпиду в Париже и он один из известнейших итальянских  промышленных дизайнеров. 

Джо Коломбо (Joe Colombo) – человек, который придумал мебель заново. Большинство дизайнеров, обнаружив, что их работа сорвана, приходит в ярость, но не Джо Коломбо, который сказал бы: «Нам всего лишь придётся сделать это ещё лучше». И если производитель не проявлял такого же энтузиазма, как сам Коломбо, то он не тратил время на пререкания, а находил другую компанию, которая была готова производить его продукт. 

Генри ван де Велде (Henry van de Velde, 1863-1957) — выдающийся пропагандист Ар нуво как в своих проектах, отличающихся напряжённой энергичностью дизайна, так и в общественной деятельности лектора, теоретика и писателя. Один из основателей Немецкого Веркбунда (1907). Если сравнивать ван де Велде с другими архитекторами того времени, можно сказать, что его подход к декорации был функциональным. Он считал, что есть «опасность в поисках красоты ради самой красоты».

Ееро Аарнио (Eero Aarnio) - великий новатор в области использования пластмасс в промышленном дизайне. Начиная с 1960-х годов его яркие, уютные и ироничные произведения стали символом эпохи поп-культуры. Многие из его произведений сейчас можно увидеть в престижных коллекциях, таких как Victoria and Albert Museum в Лондоне, MoMA в Нью-Йорке, Vitra Design Museum. Творческий метод Ееро Аарнио: «Когда я начинаю работать над дизайном для новой марки, у меня должно быть ощущение, что всё возможно, и так будет, если у меня есть хорошая профессиональная подготовка. Как дизайнер я ближе к художникам, скульпторам, но в моей области невозможно быть художником, не являясь также техником».  

В лице Курта Эрни (Kurt Erni) теория минимализма получила одну из лучших своих визуализаций. Он не просто предлагает интерьер без излишеств, а дематериализует лишние предметы, создавая кристально прозрачное пространство. Но в отличие от примитивных минимализмов Курт Эрни  не создаёт вакуум с декорациями, а очень внимательно относится к природным характеристикам материалов, помогая им выкристаллизироваться в интерьере. У него архитектурный подход к проектированию, основные материалы – сталь, стекло и дерево. 

Творческое кредо Константина Грчика (Konstantin Grcic) – функциональность, качество, прочность, долговечность и отказ идти на компромисс.  «Материалы должны быть честными. Это должна быть высококлассная пластмасса, а не фальшивый металл. Если мы хотим эффекта металла, то должны делать действительно металлическую вещь»